不同时期的钢琴音乐特征,本文是关于钢琴音乐方面论文参考文献范文与钢琴和钢琴音乐特征和浅谈不同时期方面自考开题报告范文.
钢琴音乐论文参考文献：
摘 要：巴洛克一词源于葡萄牙语的barroco,原意为“形状不规则的珍珠”,后专指17至18世纪豪华、装饰性强的建筑与绘画风格.这一特征反映到当时的音乐领域,就形成了音乐史上的巴洛克时期（1600——1750）.巴洛克时期的音乐具有复杂性、装饰性、对称性、宗教性等特点.古典主义时期（1750——1830）,又称维也纳古典主义时期,由三位维也纳的古典主义音乐巨匠主导该时期的钢琴艺术,其音乐风格既传承了巴洛克艺术唯美的风格,又注重对个人情感的表达和描写.
两个时期的钢琴音乐作品具有不同的风格特征,我们在学习的时候要认真考量演奏方法,仔细分析音乐结构以及曲谱版本,严谨治学,脚踏实地,才能最终领悟音乐的真谛.
关键词：巴洛克时期；巴赫；《十二平均律钢琴曲集》；古典主义时期；奏鸣曲；版本
纵观钢琴音乐艺术史的发展,从豪华绚丽,装饰性强的巴洛克时期到细微谨慎,规范性强的古典主义时期,再到追求个性,反对拘泥形式,强调自我表现的浪漫主义时期,最后到大胆创新,另辟蹊径的20世纪.每一个时期的音乐都是一朵美丽的水花,它们汇聚成了钢琴音乐艺术史的长河,其中,巴洛克和古典主义时期的音乐起着举足轻重的作用.
巴洛克一词源于葡萄牙语的barroco,原意为“形状不规则的珍珠”,后专指17至18世纪豪华、装饰性强的建筑与绘画风格.这一特征反映到当时的音乐领域,就形成了音乐史上的巴洛克时期（1 6 0 0——1 7 5 0）.巴洛克时期的音乐具有复杂性、装饰性、对称性、宗教性等特点.该时期的键盘音乐作品大部分都是为古钢琴（“击弦古钢琴”Clichord和“羽管键琴”Harpsichord的统称）而作.
由于当时的乐器有音色、音量变化小,延音短；音响强弱对比较差；键盘对指触的力度变化反应甚微等特点,所以演奏巴洛克时期的音乐作品时力度不宜太响,踏板不能过多,这是由音乐作品鲜明的时代性决定的.
巴洛克时期最具代表性的键盘艺术作曲家是德国的约翰?塞巴斯蒂安?巴赫（Johann Sebastian Bach 1685——1750）,巴赫的键盘音乐作品以复调音乐的手法创作,这种音乐风格注重每个声部的旋律性,有别于用和弦伴奏旋律的主调音乐.舒曼把巴赫的《十二平均律钢琴曲集》比喻为“音乐家每天的面包”,可见它在钢琴音乐史上的重要意义.
被称为音乐的“旧约圣经”的《十二平均律钢琴曲集》共两卷,每卷各有24首前奏曲和24首赋格,从C大调开始,分别用12个大调和12个小调写成,以音级为序间插排列.一卷创作于巴赫年轻之时,前奏曲与赋格音乐曲式保守,情绪统一,富有生活情趣,其中有较多小调作品结束在大调上（这是二卷中没有的情况）.二卷创作于巴赫年老之时,用了很多咏叹调风格,情绪倾向灰暗,前奏曲与赋格之间比较独立,前奏曲有很多复调因素的声部线条,每首赋格都是富有哲理性的精品,不仅打破了固有的曲式结构,还大量运用了古式奏鸣曲（古式奏鸣曲是两段体结构,主部与副部情绪对比明显）.
由于当时的记谱方法较粗略,未标明太多的演奏要求,因此给后世演奏者提供了大的发挥空间,也加大了准确把握风格的难度.其演奏和教学要点是：1.注意音乐的多线条性,每个声部都有独立的意义；2.每个声部的音乐（包括顿音、跳音、休止的地方）都必须在气息的牵引下连贯并有歌唱性地演奏出来,巴赫曾说：“要像人唱歌那样来弹.”3.注意触键的力度、角度和速度,用不同音色表现不同声部,准确、优美、突出地演奏出清晰、鲜明的主题旋律线条；4.装饰音一般从本音上方大二度开始,音头需与拍点对齐（这种规则一直沿用到古典主义时期）；5.附点在节奏准确的前提下可以弹得较长；6.速度比古典主义和浪漫主义时期稍慢；7.练习旋律线条时应用合理的指法准确地保持够各个音的时值,尽量用手指、手腕、手臂连（注意特殊指法形式overlap的使用）,当手无法保持连贯时再用踏板,踏板不宜过多、过长,不能有和声性,应踩得较浅,只起保持音的作用；8.奏法要清楚,演奏不同时值的音符时注意断连明确,在演奏的过程中注意力必须高度集中；9.乐句线条的渐强大多是阶梯式的,并非绝对的上行渐强,下行减弱,应根据和声的走向和布局来安排强弱变化和对比,但不适宜像浪漫主义作品做过多的力度变化渲染；10.前奏曲演奏完后,手应该停留在琴上,抬手就表示赋格开始.
针对演奏中常见的问题：1.声部线条间的区别不够明显；2.背谱易错,中断后不易接下去；3.音乐形象、性格和风格等不准确.有效的训练方法是：1.先单独寻找主题,再将各个声部逐个练习；2然后.进行两个声部间的配合练习（双手自编指法,双手原样指法,单手指法）；3.最后进行所有声部的完整合成.除此之外,分手、分声部背谱可以大幅度地提高记忆和完整性的保障度.
另外,关于巴赫的《十二平均律钢琴曲集》通常有如下版本：1.Urtext原版,即净版,根据手稿编订,没有情绪、速度和强弱标记；2.Mugellini慕杰里尼版,指法合理,但连线和力度标记过多,音乐情绪过分浪漫；3.Henle汉勒版,没有太多标记,指法编订较好；4.Breitkopf布莱特科普夫版,指法编订较好；5.Bischoff比绍夫版,列出了编辑的资料来源和变化.在演奏和教学中,我们应该在尊重原版的前提下谨慎地选择乐谱版本.
接下来是古典主义时期（1750——1830）,又称维也纳古典主义时期,由三位维也纳的古典主义音乐巨匠主导该时期的钢琴艺术,其音乐风格既传承了巴洛克艺术唯美的风格,又注重对个人情感的表达和描写.这个时期的艺术作品以固定曲式结构的大型作品为主（大型作品是用特定曲式结构写作而成,有固定的结构规格,段落性、章节性等格式化特征较鲜明的钢琴作品.例如：奏鸣曲、协奏曲、组曲、回旋曲、变奏曲）.
古典主义时期的钢琴作品强调调性、对比、节奏和乐句平衡,要求音色细腻、动听,讲究旋律歌唱性,有典型德奥语言文化的色彩与特征,如句子较短,音节重音较多等.演奏中应特别注意旋律的语言化特征.另外,音乐形式具有严谨方整的特点,旋律句法和段落清晰对称,和声进行包含严密的逻辑性,音乐语言朴素精练,音乐表现自如而又有所克制,个人情感的表达充分而又不乏理性,颇有一种欲言又止、欲说还休的意味,透着一种典雅精致之美.
海顿、莫扎特、贝多芬被称为“维也纳古典主义三杰”.约瑟夫?海顿（Franz Joseph Haydn 1732——1809）是古典奏鸣曲式的确立者,有大量经典器乐作品,对后世音乐艺术有巨大影响.一般认为海顿作有62首钢琴奏鸣曲,他的音乐作品感情朴实,轻松活泼,节奏欢快,性格率真幽默,形象温文尔雅,好像几个人在对话的感觉,具有宫廷音乐的典雅色彩.在演奏和教学的过程中,我们应该严格地按照和声布局分清音乐段落,把握好触键的手法以使音色达到光滑圆润的效果,切忌使声音听起来干涩、生硬.
沃尔夫冈?阿玛多伊斯?莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart1756——1791）确立了钢琴协奏曲的形式,他热爱歌剧创作,喜欢在音乐中表现显著的戏剧性效果,讲究情绪的起伏、变化和对比.他创作了19首钢琴奏鸣曲,27首钢琴协奏曲等作品,确立了钢琴协奏曲形式.莫扎特的作品性格天真、活泼,给人以热爱生活、乐观率直,即使含着眼泪都在微笑的印象.其演奏和教学要点是：1.莫扎特认为旋律是音乐的精髓,因此在演奏中塑造好旋律线条与合理划分乐句特别重要；2.他本人偏爱明亮、歌唱、晶莹剔透的音色,所以触键上要特别考究；3.由于时代特征,演奏时不宜使用太多踏板.
路德维希?凡?贝多芬（Ludwig van Beethoven 1770—1827）创作的32首钢琴奏鸣曲将奏鸣曲形式推向巅峰,被称为音乐的“新约全书”.贝多芬奏鸣曲的创新之处在于：1.根据表达的需要引入不确定的乐章个数,对乐章尾声进行大胆扩展；2.帮助确立了新的表情记号缩写记谱,扩大了音乐表情与音色音量的表现范围和层次；3.创造性地大胆使用踏板,丰富了音乐表现力.在贝多芬的音乐作品（特别是中后期）中,矛盾、思考和不屈服的抗争是经常出现的思想内容,他喜欢用激烈宽广的渐强句积蓄力量和乐句动力,在情绪高点以一个突弱来打断渐强情绪,从而造成很大反差的戏剧性冲突.在演奏和教学中应该注意节奏的统一性和稳定性,合理调整触键方法来达到音色丰富和情绪起伏的戏剧性效果.
此外,关于海顿、莫扎特、贝多芬的钢琴奏鸣曲一般有两个乐谱版本：1.维也纳原版,遵照原稿,但编订的某些指法不太适合亚洲人；2.湖南文艺出版社引进的德国布莱特科普夫版,指法编订较好,但连线标记不太合理.在演奏和教学中,我们应该扬长避短地选择版本.
荀子在《劝学》中写道：“不积跬步,无以至千里；不积小流,无以成江海.”我们作为钢琴音乐的学习者和研究者,在面对浩如烟海的钢琴作品时,应该持有严谨治学的态度,通过日积月累的学习和研究,才能领悟音乐的真谛.
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